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Viaje Musical | The Kyoto Connection

Entrevista realizada para la Revista Urbanikkei – El Portal de Cultura Japonesa en la Argentina.

The Kyoto Connection es un proyecto de música electrónica libre con melodías japonesas,producida por Facundo Arena y formada por Laura Lang como vocalista, Jésica Rubino en cuerdas y flautas, y Rodrigo Trado en batería.

“Cuando el tiempo y el espacio parecen no tener valor, lo Grande se ve pequeño, lo pequeño parece diminuto,
Los segundos avanzan más rápido que lo que podés percibir,
Mientras cada chispa de luz en tu corazón
Está eclipsada por las preocupaciones en tu mente”
Extraída de “Growing up”, tema de The Kyoto Connection (traducción libre)

“El espíritu samurai es no tener más miedo a la oscuridad
Es sentir que se puede llegar a cualquier cosa que desees
El mar sobre mi rostro, el aliento del aire
Me siento solo, aun rodeado por todo el mundo
Usted me ve, pero mi espíritu está muy lejos de aquí”
Extraída de “Samurai Spirit”, tema de The Kyoto Connection (traducción libre)

-Ante todo me intriga conocer la historia de la elección del nombre, ¿por qué The Kyoto Connection?
Buscaba un nombre que represente el verdadero espíritu del proyecto: Música que te transporte a un lugar mágico, introspectivo y espiritual como lo es Kyoto. Y es que “La conexión con Kyoto” (The Kyoto Connection) es en realidad una propuesta de viaje musical. Canciones y ambientes mezclados con sonidos orientales que te transporten hacia un lugar especial, con letras que motivan el ejercicio de tu alma.

-¿Cómo surgió el proyecto? ¿En qué año?
El proyecto surgió a finales de 2005, de manera totalmente personal. Comencé a grabar algunas pistas en Octubre de ese año, y para Febrero del 2006 ya había publicado “The First Voyage” bajo el seudónimo de “Alternarama”. Lo hice absolutamente solo, compuse la música, escribí la letra y canté algunas canciones. En realidad, asumimos el nombre “The Kyoto Connection” dos años después, cuando el proyecto se convirtió en un trabajo de equipo con Jesica Sabrina en el violín, Mariana Benitez en la voz y Rodrigo Trado en batería. Más tarde Mariana abandonó el proyecto y luego de una intensa búsqueda de una nueva voz, incorporamos a Laura Lang a principios de 2010.

La música, la composición y la letra ¿son originales? ¿Qué elementos de la cultura japonesa te inspiran?
Si, todo el proceso creativo fundamental está a mi cargo. Soy quien compone música y letra de cada canción de The Kyoto Connection. Luego, durante el proceso de grabación, cada uno de los miembros del proyecto aporta su granito de arena en los arreglos y la interpretación. Lo mismo sucede en cada ensayo para las presentaciones en vivo, cada uno de nosotros aporta lo suyo para construir la experiencia que queremos transmitir.
Con respecto a la inspiración de la cultura japonesa, hay algo de espiritual e introspectivo que me fascina. Me encantan los sonidos de los instrumentos tradicionales como el shakuhachi , pero también me gustan los sonidos de los paisajes naturales. Cuando veo una imagen del Monte Fuji, o de un templo en Kyoto, inmediatamente puedo sentir el aire del lugar y el sonido natural del ambiente, aunque nunca haya tenido la oportunidad de estar allí. Admiro particularmente de la cultura oriental esa capacidad de foco y concentración para llevar adelante las cosas. El minimalismo, el Zen y “el escuchar la voz interior” son conceptos que me fascinan muchísimo también sobre todo viviendo en nuestro ruidoso ritmo de vida occidental.

-¿Cuántos discos tienen producidos? En la web page se pueden descargar la gran parte de los temas, ¿están allí la totalidad de las canciones?
Al momento, publicamos cuatro álbumes. Toda nuestra música está disponible para descargar desde nuestra Web de forma totalmente gratuita, por medio de licencias Creative Commons. Regalamos nuestra música, porque apostamos a la cultura libre y queremos que mucha gente tenga la oportunidad de escuchar lo que hacemos. Desde 2006, más de 50.000 descargas de nuestra música se han realizado desde todas partes del mundo. Además, nuestra música ha sido usada en numerosos videos, programas de radio, proyectos de cultura libre y programas de televisión.

-Tras escuchar varias canciones y prestar atención a las letras, es posible detectar una gran búsqueda, ¿cuál es la búsqueda de este proyecto?
Hacer hermosa música que inspire a la gente a encontrarse consigo misma, entender cual es su misión en éste mundo y escuchar su voz interior. Las letras tratan mucho de ello, y la idea es que la música acompañe en ese viaje musical hacia tu “Yo interior”.

¿Esa búsqueda, tiene alguna influencia zen?
Si, definitivamente. Muchos de los conceptos e ideas del Zen son desarrollados en canciones como Samurai Spirit, Voyage – Close Your Eyes, Growing Up y Voyage – Kyoto.

Encabezando la entrevista hemos copiado frases extraídas del tema: “Growing up”, ¿qué dimensión de significado tiene para el grupo?
Growing Up es parte de nuestro último álbum denominado FATHER | SON (PADRE | HIJO). Es nuestro primer álbum conceptual, eso significa que todas las canciones responden a un concepto unificador, desarrollan un mismo tema. Se trata del ciclo de la vida, desde la creación misma del universo, hasta la desaparición del hombre de ésta tierra. Growing Up tiene ese poderosísimo pasaje relatado por Tony Kirk (un amigo de la banda) que busca sacudir al oyente y hacerle dar cuenta que su tiempo en esta tierra es limitado. Que debe aprovechar cada momento como si fuera el último, y que a veces, para dar esos pasos superadores, es necesario crecer internamente hasta alcanzar tu cambio. Hemos recibido muchos mails de fans que nos han dicho lo fuerte y revelador que ha sido ese pasaje para ellos, lo que nos emociona enormemente.

El tema “Samurai Spirit” es casi una propuesta a un cambio de vida, un cambio de mentalidad, de actitud… ¿qué mensaje quiere transmitirnos?
Samurai Spirit intenta rescatar los valores del espíritu samurái y los propone al oyente como una forma de encarar la vida. No vivir con miedo, estar en constante movimiento, superar obstáculos sin temor a lo que puede venir, abstraerse de las distracciones cotidianas; motivaciones a vivir la vida de una forma diferente, más genuina, más valiente, más segura de nosotros mismos. Es uno de nuestros temas más escuchados en todo el mundo .

+Info: The Kyoto Connection http://www.thekyotoconnection.com

El Sumi-E como actitud ante la vida | Entrevista a Stella Escalante

Publicado en: Urbanikkei. La revista de la cultura japonesa en la Argentina, 2011, Año 12, Número 126. R. N. P. I. en trámite, Buenos Aires.

El sumi-e o Suiboku es una técnica de dibujo monocromático en tinta, que se originó en China en el siglo V. Fue introducida en Japón a mediados del siglo XIV por monjes budistas zen, y tuvo su apogeo durante el período Muromachi (1338-1573).

Junto con Stella Escalante* redescubriremos en el Sumi-E un espíritu contemplativo, reflexivo y de un profundo trabajo interior de superación personal. Y si bien sus raíces atraviesan siglos, nos deja mucho que aprender y admirar en nuestros días.

“Trabajar en Sumi-e supone abordar un camino de superación personal […]. No existen metas sino que cada una de las metas que nos proponemos forman parte de un solo camino […].”

 

“Desde el Sumi-e uno se acerca un poco a la naturaleza mediante su  observación y va aprendiendo a entenderla y a quererla. Va reconociendo sus ciclos y su ritmo y va aceptando que toda trasgresión […] por parte del ser humano atenta contra su propia existencia”.

 

¿Cuáles son las características de la pintura Sumi-E?

 El sumi-e  es una técnica japonesa de pintura donde se dibuja y pinta simultáneamente, y  se la puede considerar como única en la historia de las artes, siendo una de sus características distintivas  su monocromía y el trabajo con valores de grises. Su fin es reproducir la imagen a representar mediante certeras pinceladas, y precisamente en esa simultaneidad se funden dos ideas que posibilitan la representación espontánea y sincera de un momento en que el sujeto nos conmueve. Es pues más que una representación formal, un reflejo de un estado de ánimo. Por supuesto que esta interpretación solo es posible realizarla mediante el dominio de una técnica que requiere de una rigurosa preparación metódica, progresiva, y de exigente superación.

¿Quiénes fueron sus maestros?

 Siendo estudiante de la Escuela Fernando Fader y muy interesada en la pintura, comencé a concurrir al taller del maestro Demetrio Urruchúa. La fascinación no solo estaba en lo que escuchaba en cuanto a pintura, sino también por el entorno y la figura imponente del Maestro. Al egresar de la escuela comencé mis estudios en la Escuela Nacional de Cerámica, buscando  dentro de las artes plásticas el lugar donde mejor pudiera expresarme. En esa búsqueda retomo la pintura al óleo asistiendo a clases en los talleres de los maestros  Ernesto Manili y Adolfo Nigro con los que adquirí una visión muy interesante y diferente de cada uno de ellos que provocó en mí un acercamiento al abstracto.

¿Cómo fue su acercamiento, cuál fue su experiencia con el Sumi-E y con el arte, cuáles fueron sus motivaciones?

 Después de algunos años un poco cansada de mi trabajo y curiosa de probar otra experiencia, comencé a tomar clases de pintura oriental con Tomás Yamada, donde descubrí la acuarela, técnica que durante mis estudios se veía muy someramente, casi  con un tratamiento como témpera. Pero lo que más me provocó admiración eran las pinceladas dinámicas y expresivas de la tinta sumi sobre el papel arroz: Realmente quedé cautivada.

Complementaron mis estudios de arte oriental el aprendizaje con la maestra china Chiu Tai Li, en un breve tiempo pero con resultados muy enriquecedores.

¿Qué actitud implica? ¿Qué sensaciones despierta, qué moviliza interiormente?

 Trabajar en sumi-e supone abordar un camino de superación personal deponiendo todo tipo de vanidad y veleidad, aprendiendo con cada obra realizada que la misma es pasible de ser superada. Lograr entender que no existen metas sino que cada una de las metas que nos proponemos forman parte de un solo camino, nos van ampliando el horizonte y a la vez nos hacen ser humildes ante lo que falta por recorrer. Esa percepción de la pequeñez y de la fugacidad de las cosas nos hace, indubitablemente, mejores personas.

¿Podría explicarnos brevemente cuál es el significado de los Cuatro Caballeros?

 Los “cuatro caballeros” o “gentilhombres” es una denominación que aparece por primera vez en un manual de pintura china llamado “El jardín de las semillas de mostaza” que data del año 1679. Sintetiza en las figuras de cuatro plantas, cuatro posibles formas de trazos con el pincel, con el agregado de que cada una de estas plantas simboliza una virtud y una estación del año.

  1. El crisantemo representa al otoño y a la humildad.
  2. El ciruelo al invierno y a la pureza.
  3. La orquídea silvestre a la primavera y a la femineidad y la fragancia.
  4. El bambú al verano y a la integridad y masculinidad.

¿Por qué es tan importante en el Sumi-E el vacío?

 Los espacios en blanco o vacíos  son en la pintura oriental  un elemento indispensable y absolutamente  expresivo. Se pueden comparar con los silencios en un poema o en  la música convirtiéndose en parte activa del trabajo. Tienen un carácter dinámico ya que producen en la pintura una sensación de aire y desahogo.

Se  puede aplicar de varias formas, ya sea en el dibujo dejando una forma incompleta estimulando la imaginación, en las nubes, agua, nieve, bruma o en las mismas pinceladas donde el vacío aparece dentro del mismo trazo.

¿Qué mensaje cree que puede dar esta pintura en una cultura sumida en la inmediatez, en un ritmo de vida que transcurre a un ritmo vertiginoso, que se pierde en la vorágine a diario?

 No es fácil ni pertinente pretender dar un mensaje desde una posición  donde se busca ser humilde. En todo caso, se podría decir que desde el sumi-e uno se acerca un poco a la naturaleza mediante su  observación y va aprendiendo a entenderla y a quererla. Va reconociendo sus ciclos y su ritmo y va aceptando que toda trasgresión de los mismos por parte del ser humano atenta contra su propia existencia.

La contemplación, la reflexión y la elaboración interior necesarios para trabajar con este tipo de pintura nos van fortaleciendo espiritualmente y actúan como un bálsamo  ante  una realidad desbordante y avasalladora, ayudándonos a aceptarla con esperanza y optimismo.

Más info: escalantestella@hotmail.com

web: www.stellaescalante.com.ar

Tel. (++54-11) 4572-5136

*STELLA ESCALANTE es artista plástica, con una gran trayectoria docente en sumi-e, ha realizado numerosas muestras en el Centro Cultural de la Embajada de Japón, en el Jardín Japonés, y en Centros Culturales y Museos a lo largo de todo el país. Ha sido premiada por el Jardín Japonés como mejor Pintura Oriental, entre otros.